歌曲アンサンブル研究会

声の技法について

　「声」について考えたとき＜不意に発する声、叫声＞と＜ある程度統御して発する声＞とに区分できる。後者を一般に「音声」と呼んでいる。

　「音声」、日常生活に於ける音声は、大別すると＜話声＞＜歌声＞に分けられる。この両者を比べてみると歌声は話声に対して、広い音域と豊かな音色、正確で繊細な動きと強弱、発音表現の明晰さ等、かなりの表現力を必要としている。

　さらに大切な要素に「共鳴」がある。「声」を美しく豊かに表現するためには、この「共鳴」に満ちていることがなによりも大切であり、ピアノやバイオリンがその製作において伝統的に美しい響きを求め続けられていることは周知のごとくである。 そのことから、私たちの身体を考えてみたとき、身体はもともと美しい＜響き＞を目的としているものではない。複雑な器官・機能のたゆみない訓練の積み重ねによって駆使し、声が「楽音」となり得るよう研究しているのである。この研究過程を『声の技法』と呼んでいる。

　それでは声楽における「声の技法」について述べてみるが、はじめにその「目安」をどこに置くかということから進めてみよう。

　私たちのまわりに奏でられている音楽の領域は広い。その中で「言葉」を扱うことのできる楽音は「声」だけである。言葉を扱うということは「詩」を理解し、感じ、表現することである。すなわち「歌う」ということである。言い換えるなら「歌う」ということは詩的な世界にアプローチする行為であり、そこでは詩人のような感性とスポーツマンのような機敏な肉体（発声体）が要求される。

以上歌唱者に対する第一の課題（目安）である

　次に、声楽における「言葉」と「音楽」の関係は古くから論じられているが、その例を中世以来、ヨーロッパ音楽の頂点として開花したロマン派の作曲家、Ｊ．ブラームスとＨ．ヴォルフの歌曲を例に考えてみる。
Ｅ.ヴェルバ（世界的な歌曲伴奏者）は著書の中で「ブラームスの意識的に悠然とした創作とヴォルフの忘我恍惚とは、既に音符の姿に於いて極端な対照となって表現されている」と述べているが、私の実践研究からの所感を加えるなら「ヴォルフの音楽は詩人の心に沈潜し、詩の内容や抑揚から旋律が生まれている」と言えるのに対し「ブラームスの音楽は常に意識的で悠然とした旋律の造形美に満ちている」と言えよう。

　この二人の作曲家に代表されるように「言葉」が大切か、「音楽」が大切かについての問題は、これからも論じ続けられるであろうが、演奏者である私は、端的にそのいずれをも大切であると考えねばならない。なぜなら、声楽表現の基礎「発声」は、発声器官で行われ、「言葉」は、言語器官で行われているからである。言葉を軽視した発声器官に偏った声、反対に言葉の強調のあまり起きる声の欠陥はいずれにしても音楽表現上効果的ではない。

　このように「声」が声楽表現の重要な役割（素材）にあり、音楽が作曲・演奏の二元芸術から成り立っている以上、声の存在を無視し論ずるわけにはいかない。そこで、この両者（言葉・音楽）が互いに作用し合いながら、合理的な道筋を発見し、起点とした『声の技法』が考えられなければならない。

以上歌唱者に対する第二の課題（目安）である。

　けれども、声楽には「言葉」が音楽以上に「音楽」を感じさせる場合もあれば、「音楽」が「言葉」では表現でき得ないものを伝えている場合もある。前者はフランス・シャンソン等に発見できるし、後者はヨーロッパ中世の音楽、グレゴリオ聖歌やイタリア・オペラ等に見られる。
同様に、歌唱者の表現上の特性においてもいえよう。Ｆ.シューベルトやＪ．ブラームスの旋律線の造形を優先させる歌唱者、Ｒ．シューマンやＨ．ヴォルフの言葉による動きを優先とする歌唱者の存在もある。
　以上二つの課題（目安）について思索してみたが、それでは『声の技法』をどのように認識し要約すれば、、については次回「雑感６」で述べてみたい。

雑感＜その4＞